5月のニューヨークのギャラリーの見どころ

Mar 19, 2023

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街で新しいアートを見てみませんか? Yossi Milo では Natia Lemay の彫刻を、Greene Naftali では Aria Dean の作品をご覧ください。 クイーンズ美術館にあるアライザ ニーセンバウムの絵画もお見逃しなく。

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マーサ・シュウェンデナー、トラヴィス・ディール、ウィル・ハインリッヒ、マックス・レイキン、ブレイク・ゴプニク著

クイーンズ

9 月 10 日まで。クイーンズ博物館、ニューヨーク市ビル、フラッシング メドウズ コロナ パーク、クイーンズ。 718-592-9700; クイーンズミュージアム.org。

アリーザ・ニセンバウムはメキシコで育ち、現在はニューヨークに住んでいます。 クイーンズ州コロナの多くの人々も同様で、彼女は自宅や職場、クイーンズ美術館のスタジオで、あるいはかつて彼女が教えていた「フェミニスト美術史を通した英語」という授業に参加している間、何年も絵を描いてきた。 博物館の素晴らしい「Queens, Lindo y Querido」（女王、美しく、最愛の人）は、彼女の作品を幅広く展示したもので、デルタ航空や港湾管理局の従業員の肖像画も含まれています。 植物が生い茂るオフィスで、ショーのキュレーターである岩崎ひとみさんの写真。 そして、ニーセンバウムが博物館の食料備蓄ボランティアに提供した美術クラスの内容が、ボランティア自身の作品のセレクションとともに展示されました（「エル・タラー、クイーンズ美術館」）。

ニーセンバウムの人々に対する関心、人々とつながりたいという欲求は、彼女の絵画の内容を提供するだけでなく、彼らの形にも表れているため、これらすべてに言及する価値があります。 リアルですが、強調された色と平らな平面を備えたそれらは、家庭的でありながら魅力的であり、あらゆる特異なディテールを吸収することができます。 「El Taller」（ザ・ワークショップ）では、フラッシング・メドウズ・コロナ・パークの非現実的な紫色の霧を背景に、10人の新進アーティストのうち5人が小さな鏡を使って自画像に取り組んでいます。 そして、それぞれが独自の独特のスタイルを持つ絵画の中の絵画もあり、言うまでもなく、19 種類の素朴で色とりどりの「絶妙な死体」ゲームもあります。 すべてが 1 つの部屋に調和して存在しているのは、ニーセンバウムの寛大さと彼女の作曲スキルへの敬意です。 ウィル・ハインリヒ

チェルシー

6 月 17 日まで。Yossi Milo、245 10th Avenue、マンハッタン。 212-414-0370; ヨシミロ.com

Yossi MiloでのNatia Lemayのソロでは、高さ10インチ未満の3つの小さな彫刻が精神的な部屋を埋め尽くしています。

彼女は、椅子、ソファ、木馬など、平凡な家具のミニチュア版を接着剤で重ねて積み上げています。 石鹸石から彫られたものは、子供たちがドールハウス キットから作る粗雑な針葉樹のミニチュアをコピーしています。

ルメイはトロントで苦難の中で生まれ、アフリカ系カナダ人の文化とカナダ東海岸のミクマク族にルーツを持っています。 彼女の一般的な家庭用品は、彼女が公営住宅、ホームレス保護施設、低価格賃貸物件を転々としながら過ごした過酷な数年間を記念しているようだ。 私は彼女の彫刻を「記憶の塔」だと考えていますが、その小さなスケールはエネルギーを弱めるのではなく、むしろ集中させているように思えます。 (思い出は常に小さく感じられませんか?頭蓋骨に収まるほど小さいです?)

ルメイは彼女の塔を先住民の芸術であるトーテムポールと結びつけていますが、これはその形と記憶機能の点で理にかなっています。

彼女が使用するソープストーンも、父親から譲り受けたもので、先住民の工芸品を思い出させます。 その素材を使って、彼女が知っている問題のある都市世界を表現することで、ルメイはそれが彼女の継続的な生得権であると主張します。 彼女は、何十年にもわたって観光産業に費やしてきた場所を取り戻しました。

ルメイの展覧会には20点の油絵も展示されています。 私にとって、彼らは古い巨匠の伝統に抵抗するのではなく、その権威を受け入れています。 でも最近の絵に関してはそう感じます。 ルメイの素晴らしい小さな彫刻は、むしろ私たちの階層構造に穴をあけようとしている手榴弾のように見えます。 ブレイク・ゴプニク

チェルシー

6 月 17 日まで。Greene Naftali、508 West 26th Street、8 階、マンハッタン。 212-463-7770、greenenaftaligallery.com。

若い芸術家であり理論家のアリア・ディーンは、黒人性、物性、デジタル文化を結びつけるエッセイで知られています。 （彼女が選んだ著作「Bad Infinity」がこの夏デビューする。）これは覚えておくとよい。グリーン・ナフタリの風船ガムのようなピンクのサルーンのドアをくぐり抜けた瞬間から――「ピンク・サルーン・ドア」と題された無表情な作品――からだ。展示されている洗練された彫刻やデジタルプリントは、まばらで謎めいていて、挑戦的に表面的であるように見えます。 何かが省略されています。 このショーは、ローファイ画像の流通の容易さに関するディーンのダイナミックな考え方 (または、それほど寛大ではないが、ページ上で彼女が指摘した点を説明) に基づいていますが、初心者でも商業芸術に対する彼女の冷たく冷笑的な見方を理解することができます。

輸送用パレットの上に置かれた光沢のあるしわくちゃの灰色の塊である彫刻「図A、フリージアン牝馬」は、ある種のゴミ箱に置かれたミニマリストの立方体や、圧縮された騎馬像を想起させ、厳格な形式主義と鑑賞者の身体とのつながりをさりげなくねじ曲げている。 生き物を商品として扱うことの意味は残酷です。

展示されている他の 4 つの作品は、アルミニウムに昇華型昇華プリントを施した贅沢な縦長の作品で、それぞれ 3 枚または 4 枚のパネルに描かれており、…何を描いていますか? 遠くから見ると、ぼやけやしみ、空、形が高速で飛び交っていますが、拡大してズームインすると基本的に抽象的で、飛び散ったピクセルが点在しています。 実際、ディーンのプロジェクトは、暴力の抽象化が原因、または可能にするものを探求するものとして要約できます。 このショーの寡黙な滑らかさは不快な反応を引き起こします：ここには感情がないのですか？ 痛みはありませんか？ 人間性がない？ トラヴィス・ディール

アッパー イースト サイド

5 月 26 日まで。Acquavella、18 East 79th Street、マンハッタン。 212-734-6300、acquavellagalleries.com。

アクアヴェッラでのピエール・ボナールの絵画の万華鏡のような展示は、近くのジル・ニューハウス・ギャラリーでのより質素なセレクションと重なっているが、1947年に亡くなった事実上幻覚に襲われる画家としては悪くない。ボナールはポスト印象派とモダニズムの橋渡しをした。 彼は、他の人が「白」または「青」と見なす可能性のあるシーンの中で、すべてのスペクトルを展開する、心を揺さぶるような目まいがするような色彩で有名です。

印象派の人々がお気に入りの大聖堂やスイレンの葉を持っていた場所に、ボナールの傑作が生き生きと甦りました。 アクアヴェラは、1920 年代から 1940 年代の晩年に焦点を当て、シンプルに置かれたテーブルとバランスの取れた果物の入ったバスケットの素晴らしさ、そして窓から流れ出る幻想的な風景を紹介します。 グッゲンハイム美術館から貸与された「庭園の食堂」1934年から1935年にかけて、後ろの壁に誇らしげに飾られている。紫色の晩餐会、フレンチドア越しの熱狂的な青緑色の空、干し草色の壁が壁を覆っている。椅子、フィギュア。

赤い敷物が構図の静けさを押し寄せるツルニチニチソウの入浴シーン（ボナールの得意技のひとつ）や、1920年の魅惑的な長い裸体を含む肖像画もあり、人物はまだら模様の縦の通路の間にキャンバスの一筋に描かれている。ゴールドと山形のブルー。 静物画？ 豊富です。 テーブルクロスは？ 夢中の。 ボナールの作品の動力学は、物体と動物の関係の仕方にあり、孤立的かつ無限に見えます。 これが、彼がダックスフントの比類のない画家である理由ですが、ここでは「ダイニングルーム、フルーツハウンド、バセットハウンド」の気怠いチョコレートの色合いで満足する必要があります。 トラヴィス・ディール

アッパー イースト サイド

6 月 2 日まで。Di Donna、744 Madison Avenue、マンハッタン。 212-259-0444、ディドンナ.com。

マン・レイは、ナダールが 19 世紀の先人たちを描いたのと同じように、1920 年代から 30 年代のパリの芸術家や作家を消えないように描きました。 実際、マン・レイによるマルセル・プルーストの臨終の写真は、ナダールによるヴィクトル・ユゴーのブックエンドにふさわしいものとなっている。 しかし、1885年にフランスの文学界の巨人を追悼したとき、ナダール自身もパリの由緒ある名士であった一方、1922年にジャン・コクトーの命令でプルーストのアパートに駆けつけたマン・レイは、ひどいフランス語を話し、パリに住んでいたアメリカ人だった。 1年ちょっとの間。

『マン・レイのパリの肖像、1921-1939』の驚異は、彼の芸術性だけでなく、そのアクセスのしやすさにもある。 マン・レイは移住する前、前衛芸術家のマルセル・デュシャンとトリスタン・ツァラの友人でした。 これらはマン・レイのパリへの入国を円滑にし、72点のヴィンテージプリントからなる今回の展覧会の主題の1つであり、そのほとんどはマン・レイの晩年の知り合いでこの展覧会に協力した個人画商、ティモシー・ボームのコレクションから描かれたものである。

マン・レイは臣下にお世辞を言った。 しわやその他の欠陥を和らげるために、彼は通常、長いレンズを使って遠くから撮影し、フィルムをわずかに露出オーバーにしました。 しかし、彼の肖像画は、詩人アンナ・デ・ノアイユの知識豊富な目、常に漬物に漬けられたシンクレア・ルイスの艶やかな視線、若いアレクサンダー・カルダーのたくましい力強さなど、深く啓示を与えていた。 そして、30代半ばに撮られた彼の自画像があります。意図的に斜めに結び、鋭い目、そして止められない決意を込めて口を設定しています。 アーサー・ルボー

チェルシー

6 月 17 日まで。ニコラ ヴァッセル ギャラリー、138 Tenth Avenue、マンハッタン。 212-463-5160; ニコラヴァッセル.com。

ニコラ・ヴァッセル・ギャラリーでの初個展では、ソマリア生まれで現在アルバニー近郊に住む独学の画家ウマンがほぼその座を引き継いだ。 深い緑、紫、または金で塗られたギャラリーの壁に、彼女は 15 枚の巨大で活気に満ちた絶え間ない正方形の絵画を貼り付け、それぞれが彼女のスタジオで制作された暗いシャドーボックスに額装されており、さらに小さな図面も展示されています。 （この番組のタイトルが「I Want Everything Now」なのも当然です。） 絵画の色は大胆で彩度が高く、その質感は滑らかで濡れた筆致から油棒の停止したスキッターまで多岐にわたります。 それらの形は、ほとんどが円、落書き、四角形で構成されていますが、いくつかの目、花、太陽、とがった歯、そして腸、椅子、または脊椎の曖昧な示唆も含まれています。 参照は異文化的であり、芸術史的なものでもありますが、その効果は一般にテキスタイルに偏っています。 緑と赤の線で三角格子に区切られた1枚の黄色のキャンバスも、三角の端切れを縫い合わせて作られています。 別のボトルでは、透明なタツノオトシゴのように見えるものが、「オードパルファム」と明記されたボトルの上で飼育されています。

しかし、ある意味、ウーマンはミニマリストです。 彼女のジェスチャーは、図像に足がかりを主張できる図式的な花のように、常に明らかに効率的です。 キャンバスは端から端まで塗りつぶされていますが、絵の具の塗布は薄く、爆発的な効果が得られるとすぐに次の絵に移ります。 ウィル・ハインリヒ

トライベッカ

6 月 3 日まで。125 Newbury、395 Broadway、Manhattan、212-371-5242、125newbury.com。

レバノン生まれの画家で詩人のハリル・ジブランは、「露のしずくを瞑想して海の秘密を発見した」と書いた。 シルヴィア・プリマック・マンゴールドも同様の方法で絵画に取り組んでいます。 ニューベリー 125 で展示されている 15 点の作品はすべて、ニューヨーク州ワシントンビルにある彼女のスタジオの外に住む 1 本のカエデの木を描いており、彼女はそれを数十年にわたって描き続けています。

ここにある絵画の多くは「風にそよぐ葉」と題されており、フェアフィールド ポーターやエドゥアール マネ、さらにはクロード モネとそのシャープな額縁を彷彿とさせる、緑豊かだがナンセンスではない筆致で、緑豊かな夏をクローズアップで捉えています。スイレンの組成物。 「Winter Maple」と題された他の作品は、葉のない茶色がかった灰色の枝が分岐する、埃っぽい青い空の景色のように機能します。

もちろん、木の「秘密」は、それが常に変化し、したがって無限のバリエーションを生み出すことです。 （実際、それが同じ木である場合。これについてはマンゴルドを信頼する必要があります。ただし、マグリットの 1929 年の有名な絵画「イメージの裏切り」は、一般的に「Ceci n'est pas une Pipe」または「This is not aパイプ」は、絵画において真実がどのように機能するかについて率直な教訓を提供しました。）

マンゴールドの手にかかれば、部分は全体となり、展覧会はシネクドーシュのマスタークラスになります。木は森です。 画家は自然界と交渉する人間の代表者。 落ち着きのない動きと過剰な情報の時代において、一本の木に絵を描くという実践は、マインドフルネス、瞑想、ケアの深遠で過激な行為にもなります。 マルタ・シュヴェンデナー

チェルシー

6 月 3 日まで。Miles McEnery Gallery、515 West 22nd Street、マンハッタン。 212-445-0051; milesmcenery.com。

アーティストのビバリー・フィッシュマンは、過去 40 年間、私たちの病気の治療法について考えてきました。 彼女のキャンディー色の構造は、絵画、彫刻、バッド トリップの中間に存在します。アッパーとダウナーがハッピーな蛍光色で脈動し、人間であるための治療薬が詰め込まれた薬箱です。

ここでの新作は、壁から突き出た多面的なウレタンシェルで覆われた木の形のシリーズ（「レリーフ」というアイデアの面白い遊び）を継続するもので、具象化への回避策である。身体についてではあるが決してそれを描写することはなく、幾何学的な抽象化である。現代文化と、それに対処するために私たちが摂取しているものについて話すためのフェイントとして。 フランク・ステラのハードエッジなシンコペーションと南カリフォルニアのフィニッシュ・フェティッシュ・ムーブメントを融合させ、その結果、車のペイントに浸したエバーラスティング・ゴブストッパーズのように、エレクトリックなハム音と滑らかなキャストを備えた光沢のある表面が得られます。 それぞれの錠剤は同心円状の帯で描かれており、落ち着きのない多色の虹彩、あるいはウェイン・ティボーが実存的苦痛のシャーバートの輪のアイコンを描いたとすれば、光る菓子に似ている。

2023年の「無題（骨粗鬆症、中絶、うつ病、不安、避妊）」のように、診断を兼ねたタイトルだけがその極悪非道さを明らかにしている。医療産業複合体によって指示された治癒、即効性のある解決策の約束、そして、約束が助長した薬物依存。

ミック・ジャガーは、バリウム中毒になった主婦を歌ったストーンズの軽快な曲「マザーズ・リトル・ヘルパー」で「夜通しあなたを助け、あなたの窮状を最小限に抑えるのを手伝ってください」と歌う。 それ以来、薬理学的スペクトルはさらに華やかになっています。 これにより、フィッシュマンさんには無尽蔵の薬箱が与えられ、彼女の投与量は決して衰えることのない症状に合わせて調整されています。 マックス・レイキン

アッパー イースト サイド

6 月 24 日まで。ガゴシアン、821 Park Avenue、マンハッタン。 212-796-1228、Gagosian.com

クリス・バーデンほど教科書で有名でありながら、滅多に目にする機会のない作品を持ったアーティストはそう多くありません。 彼がフォルク​​スワーゲン・ビートルに釘付けになったり、.22弾で腕を撃たれた1970年代のパフォーマンスが再現されることは期待できない。 彼は2015年に亡くなりましたが、生きていたときでさえ、それらは一度限りのものでした。 しかし、この珍しいバーデン ショーでは、1970 年代のアンジェレノの過激な作品の他の例が紹介されています。 彼らはアートの境界を変え、今では安全に「芸術的」でギャラリーに値するものに見えます。

このショーには、バーデンの用語で言うところの彼のパフォーマンスを表すための「遺物」のいくつかが集められています。空のショーケースは、彼が3日間欠品に費やした作品「消失」を表しています。 電話とカセットレコーダーは、バーデンが美術商との通話を録音した「盗聴」を表している。

バーデンの銃撃シーンや、彼が22日間ギャラリーに横たわっていた有名なパフォーマンス「ベッド・ピース」の映像もある。

さらに驚くべきは、バーデンが必要な広告スペースを購入した後、テレビ放送にアートを浸透させた1分間の「テレビコマーシャル」だ。 そのうちの 1 つである「完全な財務情報開示」は、アンディ ウォーホルのビジネス アートのジャンルにあり、バーデンの 1976 年の収入と支出、そしてわずかな利益の数字を明らかにしています。 「クリス・バーデン プロモ」では、「レオナルド・ダ・ヴィンチ」、「ミケランジェロ」、「レンブラント」、「フィンセント・ファン・ゴッホ」、「パブロ・ピカソ」、そして…「クリス・バーデン」と、世界的に有名なアーティストの名前が次々とテレビを埋め尽くします。 。」 この最後の名前は、かつては冗談か、あるいは途方もない希望的観測のように思えたかもしれませんが、今では他の名前と仲良く暮らしています。 ブレイク・ゴプニク

チェルシー

5 月 19 日まで。Crossing Art、559 West 23rd Street、マンハッタン、212-359-4333、crossingart.com。

ハドソン渓谷のラインベックを拠点とするアーティスト、マイケル・マクグラスは、絵文字の風景と呼ばれるものを描いています。 驚いた表情の昆虫や木々。 神々、魔女、季節の魔法の呪文を連想させるタイトルが壁紙のようにキャンバスに散りばめられ、クロッシング アートでの彼のショー「ムーン ライオット」は、ゆったりとしたスピリチュアリストのエネルギーで鳴り響きます。

マクグラス氏の研究は数年前に急変した。 （私はインスタグラムで彼を発見しました。）彼はエドヴァルド・ムンクのような、心地よく倦怠感のある風景や暗い人物像を描いていましたが、突然、彼の作品は昼光色と、構図に囚われずに歌う植物で爆発しました。 彼の作品は深刻でも黙示録的でもなく、民俗芸術や子供の絵のように暖かくて面白いもので、「狩猟神入門」、「魔女のための春季訓練」、「幽霊システムの再設計」、「月の週末会議」などのタイトルによって補完されています。そして小さな吸血鬼たち。」

このショーにはいくつかの失敗も含まれています。オーバーハングしており、彫刻というよりもテーマパークのマスコットのように感じるフェイクファーのイエティのフィギュアなしでも生きていけます。 しかし、マクグラスの作品は、森の中を歩くことの素晴らしさと、人間を除いた世界は大丈夫だという深い感覚を具体化しているので新鮮だ。 トーマス・コールの 19 世紀ハドソンリバー派の傑作シリーズ「帝国の進路」（1833 ～ 1836 年）のように、すべてが再生します。これは人新世を警告する最初のアメリカ絵画である可能性があります。 マクグラスは何かをチャネリングしました。おそらく精霊、神かもしれませんが、主に、異​​なる周波数に接続された、いわゆるアウトサイダーアーティストの反人工的なものです。 マルタ・シュヴェンデナー

トライベッカ

5 月 20 日まで。Apexart、291 Church Street、マンハッタン。 212-431-5270、apexart.org。

19 世紀後半から、日本は現在の国境をはるかに超えて広がる帝国を築き上げました。 第二次世界大戦での国の降伏後に解体されましたが、何かが終わったからといって忘れ去られるわけではありません。 タゴール＝エルウィン英美がキュレーションした展覧会「寒天観展：歴史の限界」では、8人のアーティストの作品と歴史的なプロパガンダのポストカードを使用して、大日本帝国が残した傷跡をたどります。

下道基之は、写真シリーズ「鳥居」の中で、かつては帝国を象徴するために設置され、現在は他の国々に建っている神道の門を記録しています。 写真は、門がどのように周囲の環境に組み込まれ、ありふれたものになっているが、忘れられない過去の名残を示しています。

徳山凡太郎は、ナショナリズムの遺産が人々の中にどのように生き続けるかを示しています。 彼のビデオ「My Anthem」（2019 年）には、子供の頃に学校の合唱団で暗記しなければならなかった軍国主義的な歌を今でも思い出すことができる台湾の長老たちへのインタビューが収録されています。 制服を着て歌うシーンは可笑しくもあり、切なくもある。

私のお気に入りの作品「Making a Perfect Donut」(2019) は、修復のためのツールとしてユーモアを取り入れています。 このビデオには、沖縄島で地元の日本人と米軍関係者の間の溝を埋めようとしているデュオのキュンチョメが登場します。 彼らは、軍用フェンスの両側で人々に日本とアメリカのドーナツを作ってもらい、それからその 2 つを組み合わせるという方法でそれを行う。小さくて丸い日本のドーナツは、アメリカのドーナツの穴に不完全にはまり込むようなものだ。 彼らの不条理な探求は、地政学的な複雑さを乗り越えるための人間規模の方法を見つけるための比喩になります。 ジリアン・スタインハウアー

チャイナタウン

5 月 20 日まで、サラズ、マンハッタン、イースト ブロードウェイ 2、3 階。 サラスワールド。

プレッパー、ゲーマー、宗教家の共通点は何ですか? とりわけ、魔法のオブジェクトに対する趣味は重要です。 マサチューセッツ州を拠点とするアーティスト、ハリス ローゼンブラムは、「Inorganic Demons」で、Instagram の原始的なサバイバリストから卓上ロールプレイング ゲーム「ウォーハンマー」の実践者に至るまで、いくつかの現代サブカルチャーの重なり合う美学を引き出しています。 笑えるほど大きくてゴツゴツとしたアニメの剣が垂木からぶら下がっています。 このように配置されたギャラリーは、チャイナタウンにある未完成のロフトで、LARPer の宝物庫のような雰囲気があります。 武器と遺物には、マンガのコスプレウィッグから作られたシアン色の繊維の細い三つ編み「Mourningブレスレット（初音用）」、2022年が含まれます。 第二次世界大戦風の刃物である「ナイフ」は、ピンクの迷彩サテンで裏打ちされたケースに繊細に展示されています。

これらは、おそらく他のものよりもファンタジーに依存しているサブカルチャーのアクセサリーです。 いくつかの彫刻は聖書の道具の形をしています。 「犠牲の子羊」という、不穏なスポンジのような樹脂の塊をつなぎ合わせた中空の像があります。 PC パーツと電子タバコのコンポーネントで作られた「Censer (Mechanical Squonk Mod)」は、カスタマイズ可能な喫煙具やゲーム用品の共感を呼ぶカルトを垣間見ることができます。 ローゼンブラムは、聖人の命を証明する木や骨の破片のように、素材に特別な注意を払っています。 今日、敬虔なオタクの儀式には、PC と高速インターネット、ニコチンとファーストフードが含まれています。 「地球と新地球ミク」では、初音のフィギュアの 1 つは 3D プリントで作られ、もう 1 つはウェンディーズの建設現場の粘土で作られています。 物体の粗雑さを通り越して、そこに根付いている信念の素晴らしさを理解するには、ある程度の想像力が必要です。 トラヴィス・ディール

サウス ストリート シーポート

5 月 21 日まで。‌ ‌ Barro‌、25 Peck Slip、マンハッタン。 646-642-2625、barro.cc‌‌

アルゼンチンの芸術家マルセロ・ポンボは、最高の意味で逸脱しています。彼は人間のセクシュアリティを思索と創意工夫の行為として描いています。 バロ ギャラリーの「Artisanal Conceptualism: starting Point」では、フォークランド戦争での徴兵を避けるためにアルゼンチンの独裁政権からブラジルに逃れたポンボの 1980 年代と 90 年代の作品を展示しています。 これは、1982年に制作されたポンボの2部構成の展覧会「サンパウロの絵」の半分で、鳥のくちばしやネズミのような鼻、あるいは頭の代わりに生殖器を持った人間の姿が描かれている。 これらの人物たちは、あらゆる種類の凝視と無秩序な身体の探索に従事しています。 異性愛規範的であると予想される性的関係、あるいは厳格な同性愛的関係ではなく、パンセクシュアルとしての性的関係を見るのは、まったく新鮮だ。 ポンボは、動物の人形を代用として、濡れたくちばしが互いに愛撫し合う、人間と鳥のハイブリッド生物（「無題 1982」）を強烈にエロティックで好奇心をそそる生き物を作りました。

同時に、ポンボはこのシュールレアリスムの語彙を使用して、当時の恐怖を明白に表現します。 彼は、おそらく2発の銃弾を受けて路上で血を流している鳥人間、犬、そしてこの喪失に涙を流す2人の証人を描いている。

残りの半分には、美しさには悲劇が伴うことが多いということをポンボが主張しているかのように装飾されたカーテンや蚊帳などの日常品が含まれています。 そして、例えば編み針を使った布地の絵「(1)ST」は、紙に触れたくなるほどリアルです。 そして、それがこの作品の鍵です。触れたい、触れて知りたいという欲求です。 セフ・ロドニー

アッパー イースト サイド

5 月 25 日まで。Alexandre、25 East 73rd Street、マンハッタン。 212-755-2828、alexandregallery.com。

アメリカの偉大なモダニスト画家アーサー・ダヴ（1880～1946）の四半世紀ぶりの必見の完全調査は、ベッドルーム 1 室のアパートほどの広さのアッパー イースト サイドのギャラリーに圧縮された、息を呑むような美術館級の展覧会です。 40点の作品（その半分以上は絵画で、すべて個人のコレクションから借用したもの）を展示するこの展覧会は、マンハッタンの雑誌のイラストレーターからパリの印象派、そして完全な抽象画家に至るまで、ダヴの飛躍的で揺れ動くキャリアの軌跡を巧みにスケッチしており、そのような画家は米国初だという人もいる。州。

彼が確かに感じていたのは、アメリカモダニズムの偉大な視覚的超越主義者だった。 彼の溶けた雨雲や神の目のような日の出のイメージは、ソローが見た、そしてより重要なことに感じたかもしれない自然界の眺めです。 ダヴはいつも、自分が描いた気象学、つまり「光の感覚」は個人的で直感的なものだと語っていました。 そして、もう少しだけ客観的だったのは、彼がその光に対する脅威とみなした力の描写、つまり、蔓延する産業と汚染の疫病を呼び起こすデリック、貨車、噴石バージのイメージでした。

ダヴの芸術は、その歓喜にもかかわらず、デブラ・ブリッカー・バルケンによる素晴らしいカタログ・レゾネを見れば一目瞭然であるように、タフで複雑である。 そして、ニューヨークの美術界で彼の名声は着実に高まっていったが、彼が本当に関心を持っていたのはその世界ではなかった。 彼は何年もの間、ロングアイランドに停泊した帆船の中で暮らしていました。 そして彼は晩年を、かつて郵便局だったワンルームを改装した部屋で過ごした。このスペースは、今シーズン最高の作品のひとつであるこのギャラリー・サーベイが設置されているスペースとおそらく大きさはそれほど変わらない。 ホーランドコッター

チャイナタウン

5 月 18 日まで。ジェニーズ、マンハッタン、ペル ストリート 9。 646-861-1581、jennys.us。

マイク・ネルソン、クリストフ・ビューヘル、グレゴール・シュナイダー、ジャスティン・ロウ、ジョナ・フリーマンなどのアーティストによって構築された壮大でハイパーリアリズムのインスタレーションがニューヨークで見られるようになってから10年以上が経ちました。 これらの大規模でサイケデリックな娯楽施設は、ルイス・ブニュエルやデヴィッド・リンチのような超現実的な映画セットのように機能し、訪問者が署名する必要がある警告と権利放棄が付属していました。 ミネアポリス生まれのアーティスト、ペンティ・モンコネンは、彼の新しいショー「オシレーター」で、はるかに小さいながらも効果的に不安を引き起こす環境を作り出しました。

舞台は板張りのオフィスだが、オフィスでは事情が違う。 棚ユニットは氷のような輝きを放ちます。 エポキシで彫刻された巨大な蛾が壁にぶら下がっています。 キングコングに発行されたビンテージの Visa カードを拡大したもの。 4 番目の壁には、訪問者が演奏して独自のレトロフューチャーなサウンドトラックを作成できるシンセサイザーを備えた古いデスクトップ コンピューターが埋め込まれています。 「オシレーター」は、現代のミニマルなオフィスの個室というよりは、密輸品と人質が登場する 70 年代のシドニー・ルメット映画の幻覚を引き起こすような演出を模倣しています。

ここでの全体的な媒体はノスタルジーです。 付属品の中には時代遅れのものもありますが、キングコングのように、数十年かけて映画の怪物から毛皮で覆われた民族のヒーローへと姿を変えたものもあります。 アートの世界も同様にノスタルジックです。かつては壮大なインスタレーションを受け入れ（そして資金を提供し）ていました。 今、私たちはゴッホやヒエロニムス・ボスのような没入型の「体験」やアートフェアに夢中になっています。 この意味で、「オシレーター」は記憶装置のような役割を果たし、過去のポップカルチャーだけでなく、失われた芸術の世界を思い出させてくれます。 マルタ・シュヴェンデナー

トライベッカ

5 月 13 日まで。ジョージ アダムス ギャラリー、マンハッタン、ウォーカー ストリート 38。 212-564-8480、georgeadamsgallery.com。

エンリケ・チャゴヤの絵画「言語の国境での拘留」（2023年）では、「国境警備隊」とマークされたカヌーに乗った3人のネイティブ・アメリカンの人物が、ドナルド・ダックの頭を持つ女性を誘拐しているように見える。 あたかもスキージを使っているかのように、シーンの両側にある緑がチャゴヤによってまだ濡れた表面を引きずられ、ゲルハルト・リヒテレのような視覚的な欠陥を生み出しています。 この作品の特徴は、ポップで抽象的な要素と歴史的資料をマッシュアップしていることです。この場合、チャールズ フェルディナンド ウィマールの 1853 年の絵画「インディアンによるダニエル ブーンの娘の誘拐」を再加工しています。 この作品と、『ボーダレス』に収録されている他の 13 点の絵画、版画、書籍作品は、チャゴヤが「逆人類学」と呼ぶプロセスで残骸からコラージュを作成するなど、歴史を展開するこのメキシコ生まれ、カリフォルニアのアーティストの手法を強力に紹介しています。

チャゴヤの父親は、メキシコ中央銀行に勤める傍ら、偽造通貨の鑑定を本業としてアーティストとして活動していた。 この例に倣い、チャゴヤは経済学を学び、その後美術と版画制作に転向しました。 この背景は、「経済理論への啓蒙された野蛮なガイド」（2009-2010年）に影響を与えており、そこでは2人のゴーレムのような人物が戦います。1人は石油掘削機で作られ、サダム・フセインの頭部はイラクのディナール紙幣の肖像画から提供され、もう1人はサダム・フセインの頭を持っています。戦闘機の部品で作られ、ジョージ・ワシントンの頭は米ドルから調達されました。 チャゴヤの最高傑作は依然としてこの「コーデックス」形式であり、スペインのカトリック入植者によってほぼ抹殺されたコロンブス以前のマヤやアステカの本の伝統が漫画と融合され、美術史的な暗示がたっぷりと込められている。 チャゴヤの善良なトラブルメーカーは、今でも新鮮です。 ジョン・ビンクラー

チャイナタウン

5 月 13 日まで。JTT、390 ブロードウェイ、マンハッタン。 212-574-8152、jttnyc.com。

キング・コブラ（別名ドリーン・リネット・ガーナー）として知られるアーティストの、そのひどいショックな態度は、デリのスライサーに挟まれた人間の頭をピンクのシリコンで型取った残忍な「サロメの復讐」（2023年）で明らかになった。 したがって、ゴム状の肉のような破片が層になったトンドに来れば、それが何でできているかがわかります。 コブラのこれまでの彫刻は、同様のグラインドハウス技術を使用して、黒人体に対する残酷な医学実験の歴史を探求してきました。 ここでの「肉」には「J・マリオン・シムズの墓の汚れ」が含まれており、多くの場合麻酔なしで奴隷化された黒人女性に婦人科を開拓したこの男を非難している。

展覧会「White Meat」では、白人という人種概念をモルタデッラ（ナッツや脂肪が散りばめられた抽象的な肉）の一種として想像しています。 コブラの比喩的な屠殺は、抽象化自体が人種的概念であるかどうかを問いかけます。 白人男性は抽象芸術を発明しましたか? あなたは芸術作品（または医学的な「成果」）を、それを作った怪物から抽象化することができますか？

このショーの傑作は、着色シリコン、ビーズ、髪の毛の織り方、スチールメッシュ、カミソリの刃（歯用）をつなぎ合わせた壊死したサメの等身大モデルで、オープンスチールフレームに吊り下げられている。これはダミアンの明らかなパロディである。ハーストのホルムアルデヒド大ヒット作。 2 番目のギャラリーの作品には、金髪のドレッドヘアのロープや、白いドレッドヘアの頭皮の巨大なネックレスが含まれています。 おそらく、白人自身の残酷さを示すには、この種の血なまぐさい誇張が必要な​​のかもしれません。 そして、抽象芸術に純粋性があったとしても、コブラの荒々しいやり方はそれも拒否します。 トラヴィス・ディール

チェルシー

5 月 13 日まで。Cheim & Read、547 West 25th Street、マンハッタン。 212-242-7727、cheimread.com。

ピーター・シアーの小さな絵は、簡潔で挑戦的な詩に似ています。 絵とタイトルが心と目に響きます。 これらの跳弾が興味を引くかどうかはあなたが決めます。

ここで一定なのはサイズが小さいことだけです。 それ以外の場合は、色、提案、内部スケールおよびスタイルのバリエーションが優先されます。 ショーの最初の絵画である「Same Day」（2021）は、暗い茶色の野原の右端の真ん中に、細いぐらぐらする白い線と2つの細い水平の形の短い帯を分離しています。 それは、夕暮れが暗くなるにつれて、屋外の家具（以前は活発な人間の交流の中心であった）がビーチに放置されている様子を描写する可能性があります。 夏の終わりの悲しみは、絵画としては耐え難いものですが、実際にあります。

その隣の「Door to Door」（2022）では、シアーは表面全体に白、青、茶色、緑のブラシをふんだんに使用し、森の小川、溶けた雪、または岩だらけのビーチを表現しています。 この作品はそれ自体が目的ではありますが、絵画研究というジャンルとその楽しさを思い出させます。 そしてその直後、番組のタイトルにもなっている「Following Sea」は再び茶色地に白だが、しっかりと描かれており、海の白波や床に残った白い衣服の跡を連想させる。

展覧会の小さな最初のギャラリーの絵画は特に力強いです。 その後に続く 2 つの大きなスペースでは、少なくともしばらくの間は、より多くの人々に抵抗し、議論できることがわかるかもしれません。 シアーの次の方向性は、宝石のような、よりしっかりと構造化された「マッチ」の形によって示されるかもしれない。 ロバータ・スミス

ソーホー

5 月 13 日まで。Ulterior、424 Broadway、#601、マンハッタン。 917-472-7784; インテリアギャラリー.com。

メイミー・ティンクラーのような水彩画を見たことがありません。 Ulterior Galleryでの彼女の2回目の個展である「A Troubling」の静物画には、密集した模様の織物、珍しい色の羽、鏡、頭蓋骨、奇妙な岩、ガラス球、そしてパチパチとはじける炎が描かれています。 これらすべてが、気づかないうちに飽和した色の斑点に影を落とし、時には絵の続きとして、たとえば赤いベルベットの背景や深い黒い影として、また時には抽象化への緩みとして読み取られます。 正確にレンダリングされたディテールとペイントの自然な柔らかさのエッジの間のコントラストは微妙ですが、それは緊張感、さらには苦悩のアンダートーンとして記録されます。 あたかもティンクラーが自分自身に対して自分の媒体を使用しているかのようです。

この緊張感は、多くの古い確信が溶けていく瞬間に非常によく似ていると感じました。 科学、ジャーナリズム、北極の棚氷、リベラル民主主義など、以前は堅実に見えていたものが、過ぎ去った幻影のように見え始めています。 しかし、それは認識と認識についても述べています。 番組のタイトル作品では、青い天球儀の上の小枝に金色のフィンチが止まります。 その上とその横に、反射またはおそらく見慣れたものとして、さらに 2 羽のフィンチがさらに 2 つの球体の上に止まっており、そのハイライトは塗装されていない白い紙の大小の円で示されています。 目の前にある「本物の」小枝は、ビジョンか夢のように、ゆるくて曖昧です。 それが落とす影はカミソリの刃のように鮮明です。 ウィル・ハインリヒ

トライベッカ

5 月 6 日まで。ボートラミ、マンハッタン、ウォーカー ストリート 55 番地。 212-727-2050; ボルトラミギャラリー.com。

1930年代、アンジェレノのモダニスト、ヘレン・ルンデバーグは、ヨーロッパ版の奇妙なイメージを和らげることを目的としたアメリカの分派運動であるポスト・シュルレアリスムと呼ばれるスタイルを推進した（しかし、それほどではなかった。彼女の初期の取り組みの1つは、しおれた釘をレンチで引き抜くことを含んでいた）深紅のプール）。 対照的に、ここにある10枚のブレイシングキャンバスは、ルンデバーグが南カリフォルニアのWPA壁画家として同時期に作成した作品の緊張感とより多くの共通点を持っています。つまり、国内ゾーンの輪郭を描く豪華な色でレンダリングされた硬質な幾何学的な抽象化です。 しかし、ルンデバーグの空間に対する感覚は完全に厳格ではなく、シュルレアリスムの心理地理学が隅々に取り憑く余地を残していました。

1952 年から 1975 年の間に作られたもので、ここでのセレクションは、影、平坦性、深さの謎めいた相互作用を実現するために、スペクトルを上下に調整した垂直色の帯、柔らかいトーンに焦点を当てています。これは、古典主義と非論理的な次元を衝突させる、奇妙な空間認識の感覚です。デ・キリコ、彼の誰もいないアーケードはロサンゼルスのセピア色のスモッグ光で射抜かれた。

ルンデバーグの均一なフィールドが破壊されると、それは魅惑的な効果をもたらします。「鏡とピンクの貝殻」と呼ばれる同じアレンジメントの 2 つのバージョンのように、三次元の静物画によって中断されます。 1952 年に制作された初期の絵画は毛羽立っているように見え、その筆致は判読可能であるが、同じ年に開始されたが 1969 年まで完成しなかった後のバージョンは、焦点が固まり、その領域が滑らかになり、拡大されている。 シンプルな椅子、裸電球を反射する鏡などのこのヴィネットは、ルンデバーグが 30 年以上戻ってきた場所であり、彼女の人生の輪郭が形而上学的な面に蒸留されています。 マックス・レイキン

トライベッカ

5 月 6 日まで。ニューヨーク州、マンハッタン、ウォーカー ストリート 60 番地。 646-850-7486、chapter-ny.com。

エリン・ジェーン・ネルソンの陶器は不思議なことに生きているように見えます。認識できる生き物としてではなく、生物形態、おそらく微生物が目に見える大きさにまで膨らんだものとして見えます。 壁に取り付けられた彼らは、不規則で曲線的な形状と短くて細い触手を持っています。 彼らはほとんどの場合、ペアまたはより大きなグループで固まっており、あたかもそれぞれが自分の存在を他のものに依存しているかのように見えます。

2021年のニュー・ミュージアム・トリエンナーレへのネルソンの寄稿作品など、これらの作品を以前に見たことがあれば、彼女の現在の展覧会「Sublunary」がオケフェノキー沼からインスピレーションを得たものであることは驚くべきことではないかもしれません。 アトランタを拠点に活動し、キュレーター兼ライターでもあるこのアーティストの作品には、意図的な曖昧さがある。 ネルソンの作品がどちらか一方であることはほとんどありませんが、その中間で成功するハイブリッドです。

「Sublunary」では、ネルソンがオケフェノキーを複数回訪問した際に行った個人的なパフォーマンスの成果が展示されています。 写真をあしらったキルトシルクもあります。 365 個の釉をかけた石器の塚のセットは、総称して「クロノマイクロバイオーム」（2023 年）と名付けられており、ある種の儀式化された抽象的なカレンダーと、今でも最も興味をそそられる壁に貼られた陶器を表している可能性があります。 それらには縁があり、水のような樹脂の透明な層で覆われているため、それらを見ていると、一連の浅いプールを覗いていることを思い出します。

中には何が入っているのでしょうか？ 彫刻された小さな丘、花、菌類。 色とりどりの模様。 そして実際の写真、時にはネルソンの写真も。 もしこれらの複雑な芸術作品が生きていたとしたら、私はそれらが泳いだりスリンクしたりする雑食動物として想像し、進むにつれて沼地やネルソンの経験の痕跡を蓄積していくことでしょう。 ジリアン・スタインハウアー

クイーンズ

5 月 6 日まで。夫人、60-40 56th Drive、Maspeth、Queens。 347-841-6149、mrsgallery.com。

写真は、2000 年代のイメージプロデューサーへの道を順調に進んでいたが、その後、スマートフォンが登場した。 今、私たちには画像が氾濫しており、アーティストは泥沼をかき分けてアーキビストのように働かなければなりません。 ブルックリンを拠点とするアーティスト、サラ パーマーは、古いカタログ、ニューヨーク公共図書館のアーカイブ、eBay で購入したスライド、および AI で生成された画像からの画像を使用して、フォト モンタージュを作成します。 好奇心旺盛で不気味な結果は、ミセス・ジョンソンの「The Delirious Sun」で公開されています。

リサイクルと再利用は本質的に作品の主題であり、画像の断片がごちゃ混ぜに並べられていることからすぐに明らかです。 しかし、パーマーは、女性の身体が写真でどのように表現されるかなど、線を通していくつかのことをほのめかしています。 「Age of Earth and Us All Chaattering」（2022 年）では、不気味なオレンジ色に染まった集合体が、ビンテージのボンデージ カタログから切り取られた写真と、AI で表現された弾むようなブロンドの横に置かれています。 ボンデージ雑誌の画像は、パーマーが撮影したアメリカ西部の風景写真にホットピンクのテープで貼り付けられ、再撮影されたもの。 「Under the Tangled Forest」（2023）は、人間の髪、テープ、リボンを視覚的に韻を踏んでいます。 他の作品には、女性の胴体の彫刻や、アーティストの妊娠中の腹部のクローズアップが含まれています。

パーマーは、画像がいつ、何を、なぜ制作されたのかを伝える写真のコードを解読します。これは AI も行うことです。 しかし、パーマーは、自分の身体をイメージの中に入れることによって、再び機械が引き継いでいるように見える瞬間であっても、写真を作り、制作し、熟考することは、依然として深く人間的で身体化された事業であることを私たちに思い出させてくれます。 マルタ・シュヴェンデナー

チェルシー

5 月 6 日まで。テンプロン、293 10th Avenue、マンハッタン。 212-922-3745; テンプロン.com。

1990 年代から 2000 年代初頭にかけて、マイケル・レイ・チャールズの絵画は、遍在する人種差別的なイメージ、つまりサンボやママの人物のグロテスクな顔と真っ赤な笑みを神経質に流用して、南北戦争前のミンストレルの醜い歴史を掘り起こしましたが、必ずしも高く評価されたわけではありません。 彼は、多くの人が埋葬されたままでいることを望んでいたであろうにもかかわらず、痛ましい固定観念を永続させたとして非難された。 過去 20 年間、彼は主にヨーロッパで散発的にショーを行ってきました。

それ以来、チャールズが初めてニューヨークで開催した展覧会の写真には、アーティストが依然としてその過去を表面化させていることがわかりますが、表面はより滑らかになっています。 ミンストレルのパフォーマンスや広告の屈辱的な描写が、その過酷さにおいて瞬きすることなく、対立的な規模で複製された場合、ここでは、その苦い味が装飾に溶け込んでいます。 「(Forever Free) Veni Vidi」(2002) の輝く黒曜石の胸像は、豪華に整えられたバロック様式のインテリアの中に鎮座しており、人種差別が現代生活の背景に溶け込んでいる様子を認識しています。

これらは文脈的に複雑な絵画であり、（ジェンダー、人種、セクシュアリティの）パフォーマンスとアイデンティティの演劇性に関するアイデアを組み込んでいます。 ブラックフェイスの風刺画は今もキャンバスに残っているが、小麦粉のストリートアートのように平らにされ、バーレスクダンサーやミストレスに貼り付けられている。 人物はしばしば中途半端に形作られている - 四肢や胴体の一部を欠いた白い体に黒い顔が接ぎ木され、ギンプのマスクやカウリーの殻がちりばめられたアフリカ製のマスクで隠され、サーカスや仮面舞踏会でパフォーマンスを披露する - 歴史的参照のめまぐるしい連鎖が、悪夢を明らかにする私たちの贅沢への飽くなき欲求。 比喩は複雑になる可能性があるが、チャールズのアメリカ人種差別とエンターテイメントという関係は揺るがず、痛みと快楽に等しく依存するサドマゾヒスティックな関係である。 マックス・レイキン

ウィル・ハインリッヒは現代美術の新たな展開について執筆しており、以前は『ニューヨーカー』や『ニューヨーク・オブザーバー』の批評家でもありました。 @willvheinrich

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